Äärettömyyteen ja sen yli Jahan Lohin kanssa
Tämä ei ole satu. Tämä on Luke Skywalkerin alakoiran tarina Art Republik kannetähti Jahan Loh (s. 1976), singaporelainen nykytaiteilija, jonka kotipaikka on Singapore; yrittää edelleen löytää kodin kotimaastaan ja menettäisi todennäköisesti kätensä ennen kuin lopulta tekee. Hänen filosofiansa suhteen taiteeseen ja taiteilijaan on niin suoraviivainen ja niin eteenpäin suuntautuva kuin mahdollistakin: ”Nykytaite edustaa nykyaikaista elämää, kun molemmat ovat jatkuvasti kehittymässä. Taiteilijoiden on oltava herkkiä ympäristönsä muutoksille tai se voi osoittautua vaaralliseksi, jos he alkavat luovaan matkaansa valmistautumattomana. Heidän tulee jatkuvasti kehittää ja muuttaa käytäntöjään, ja heidän on jatkuvasti pyrittävä esittämään uusia visuaalisia elementtejä yleisön stimuloimiseksi. "
Jahan uskoo, että taiteilijan tulisi olla valmis etenemään jatkuvasti muuttuvan maailman kanssa, ei välttämättä rikkomaan perinnettä, vaan keksimään se uudelleen ja pitämään aina avoin mieli; kyse on muutoksen omaksumisesta, ei sen torjumisesta; kaupallisuudesta, mutta ei myynnistä; itsensä ilmaisusta, ei itsensä riistämisestä; intohimosta, ei propagandasta.
Aina matkalla tielle, jota ei ole kulunut, Jahan lopetti lainopillisen taiteen tutkinnon, kun hän hyväksyi Kuvataide-stipendin Singaporessa sijaitsevaan LASALLE-taiteiden korkeakouluun Singapore Press Holdings (SPH) -yhtiöltä. Kirjailija ja kuraattori Alexandra Chang kirjoittaa johdannossaan Jahanin kirjaan, joka kuvaa hänen taiteellista matkaansa vuodesta 2013 ja sitä ennen, nimeltään ”Perusohjeet ennen lähtöä maasta” (2013), että ”hän keskittyi abstraktioon koulussa aika vastusti hänen kiinnostustaan popkulttuurikuvakkeista ja muodoista. Yrittäessään selvittää tilanteensa rappeutumia, hän loi teoksen, joka sisälsi hänen ohjelmaansa luennoitsijan kielteisen arvioinnin ja sarjan aikaisempia kriitikkoja, mainitsemalla Basquiatin hänen vaikutusvaltaansa tuolloin ”.
Palm Boy, 2009
Jahan voitti edelleen Nokian huomion, mutta menetti kunnioituksensa LASALLE-taideosastoon, joka tuskin ohitti häntä. Nokia kuitenkin jakoi hänelle palkinnon Nokia Regional Awards Show 2000 -tapahtumassaan matkalla järjestetyn ryhmänäyttelyn jälkeen, joka vieraili Singaporessa, Kuala Lumpurissa, Taipeissa, Pekingissä, Hongkongissa ja Aucklandissa.
Valmistuttuaan LASALLE: sta hän jatkoi opintojaan, pääaineenaan suunnittelu ja pääsi maisteriksi New South Walesin yliopistosta ennen paluutaan Singaporeen palvelemaan stipendilainaansa SPH-divisioonassa. Straits Times missä hän työskenteli taiteilijana, luomalla sarjakuvia ja infografioita kansallislehtiä varten. Hän katkesi sidoksensa SPH: n kanssa vuoden sisällä ja muutti Taiwaniin Taipeiin vuonna 2002, kun hänelle tarjottiin työpaikka siellä, missä hän työskenteli MACHI Entertainment -yhtiössä yrityksen luovan johtajan Jeffrey Huangin johdolla.
Taipeissa Jahan sai mainetta piirustuksistaan Machin (hip hop -ryhmä) CD-hihasuunnittelusta ja bändin musiikkivideoista. Hän voitti useita taiwanilaisia musiikkipalkintoja, mukaan lukien MTV: n CD-kansikuvan Design of the Year. Taivalaisen musiikkiteollisuuden nousun myötä hän perusti Invasion Studiosin vuonna 2004 Jeffin ja hänen veljensä Stanley Huangin kanssa suunnittelemaan albumin kansia ja musiikkivideoita. MP3-musiikin ja musiikin lataamisen myötä teollisuus laski ja Jahan kääntyi Invasion Studios -suunnan suuntaan taiteeseen ja animaatioon, joka sisälsi vinyylilelujen valmistamisen. Hänen työnsä sekä kaupallisena että kuvataide- / katutaiteilijana merkitsi uutta lähestymistapaa Taiwanin taidekäytäntöihin.
Sianlihan lounas C, 2011
Jahan on sellainen kaveri, joka tekee eikä ota elämää vakavasti. Hän seuraa vaistojaan kaikkialla, missä he voivat viedä hänet. Hän muistelee: "Takaisin ajatellen en ajatellut, että koko asia muuttuisi niin suureksi ... mutta tuolloin olimme silti hyvin pieni yhteisö."
Vuonna 2005 Jahan matkusti New Yorkiin, missä hän teki yhteistyötä lapsuutensa idolinsa John 'CRASH' Matoksen kanssa valmistautuakseen kahteen vastavuoroiseen näyttelyyn, jotka järjestetään kesäkuussa 2006. New Yorkissa Jahan tapasi myös taiteilijavaiheen 2, joka päättyi Jahanin identiteetin viljelyssä ihmisenä ja taiteilijana.
”Olet oikeassa Aasiassa, mutta maalaat kuten 70-luvulla. Joten missä henkilöllisyytesi on? ” Jahan muistaa vaiheen 2 kysyvän häneltä. ”Kun hän sanoi sen, hän todella sai minut ajattelemaan: On totta, että olen kiinalainen, olen singaporelainen, mutta monet kiinalaiset ajattelevat olevansa taiwanilainen, joten mikä olen? Tuolloin ajattelin todella kovasti. ”
The Clash, 2013
Alexandra Chang kirjoittaa: ”Tulossa tästä kokemuksesta… [Jahan] alkoi pitää siveltimiään kiinalaisina mao bi tyyli ja maalaa käsikirjoituspohjainen teoksensa mustavalkoisena viitaten kiinalaiseen kalligrafiseen perinteeseen. Silti tämä sisälsi vain osan… [Jahanin] taiteellisista sukulaisuuksista ja risteyksistä taiteilijana, joka on koulutettu Singaporen, Tokion ja Taiwanin kaduille sekä taidekoululle ja muotoiltu 1970- ja 1980-luvun graffititaiteilijoiden New Yorkissa ja sen globaalin vaikutuksen aalto sekä lelu-, manga- ja sarjakuvakulttuurin kansainvälinen ilmiö. Taisteltuaan taidemaailman rajoituksista ja graffitien ja galleriataiteilijoiden kansallisista merkinnöistä, suunnittelusta ja taiteesta sekä omasta kulttuuri-identiteetistään ... [Jahan] huomasi asuvansa useiden päällekkäisten identiteettien tilassa, joissa on useita mahdollisia luokituksia. "
Sen jälkeen vuonna 2006 hänen työnsä CRASH: n kanssa näytteltiin Esplanadessa, Singaporessa, nimeltään 'Collison I' ja 'Collison II'. Tämä oli ensimmäinen graffiti-taidenäyttely, joka järjestettiin muodollisessa taidelaitoksessa Singaporessa. Vuonna 2007 Loh allekirjoitti Taipeissa sijaitsevan Mingart-gallerian ja järjesti ensimmäisen Taipein soolo-pop-näyttelynsä vuonna 2008, Cherry Pop II. Kiistanalaisessa näyttelyssä kuvattiin viitteellisiä alastomaalauksia ja veistoksia, jotka saivat hänestä paljon huomion mediassa.
Cherry Pop II, Jahanin ensimmäinen Taipein yksinpop-taidenäyttely vuonna 2008, Mingart-galleriassa
”Cherry Pop” on konsepti, jonka ajattelin vuonna 1998 ja aktualisoin vuonna 2003, kun tälle sarjalle luomaani maalaukset olivat näytteillä ensimmäisessä yksinäyttelyssäni Singaporessa. En tehnyt sitä pelkästään yleisön stimuloinnin tai vetoomuksen vuoksi; se oli pikemminkin henkilökohtainen projekti identiteetin tutkimiseksi tunnetilojen kautta ”, Jahan selittää.
Taiwanilaiset kriitikot tunnustivat hänet yhdeksi keskeisistä taiteilijoista, jotka ovat tehneet Singaporen pop-taiteen kansainväliseksi. Samana vuonna 2008 hänet valittiin 8Q-RATE-tapahtumaan, 8Q SAM: n avajaisnäyttelyyn Singaporessa. Näyttelyn jälkeen hän vei vuoden sapattina ennen paluutaan vuonna 2009 VANS: n sponsoroimana yksityisnäyttelyllä 798, Peking, Kiina; näyttely ”Suuri muuri” oli maan ensimmäinen katutaidenäyttely.
"Nykyaikainen visuaalinen kulttuuri kattaa monia käytäntöjä tieteenaloilla, toimialoilla ja mediassa", sanoo Tan Siuli Singaporen taidemuseosta. ”Näistä kenties kukaan ei ole saanut viime vuosina niin paljon näkyvyyttä kuin graffititaide, jota osaltaan edistävät Banksyn ja Shepard Faireyn kaltaisten harjoittajien jyrkkä suosio. Heidän karkeasti kriittiset kommentit piirtävät kaupunkimaisemaa mahdollisiksi kohtauksiksi kadun nurkissa. ja tiiliseinät. ”
Vuonna 2010 Jahan loi maalauksia ja veistoksia ikonisista pop-aiheista kollektiivina yhdessä entisen 360 leluryhmän Jakuan Melendezin ja Hongkongissa toimivan näyttelijän Edison Chenin kanssa, joka meni ohjaajan "Etelier des Chene" seurassa. Kolmio nimitti itsensä "petolliseksi Treisiksi" ja esitteli töitään Singaporen taidemuseossa. Näistä ikonisista pop-aiheista, etenkin hänen 'Hello Pussy' (2010) -sarjansa, joka on pohjimmiltaan lasikuituveistoksia sinisävyisestä Hello Kitty -hahmosta, joita ympäröi kuuma vaaleanpunainen veri.
Alexandra Chang kirjoittaa: ”Kun tämä veistos ('Hello Pussy') tuodaan laajemman taiteilijan teosten joukkoon, rinnastaa avoimesti seksuaalistetun kyykkyvän sinisen lasikuitun naismuodon, jota ympäröi punainen muovinen kuukautisveren alta 'Cherry Popissa. Tyttö 'hänen Cherry Pop' -sarjastaan. 'Hello Pussy' -teoksessa työ siirtyy selkeämmältä murrosikäisen katseelta naisten seksuaalisuuteen ja merkitsee sen sijaan leikkiä viattomuudesta ja kerroksellisista ja moniarvoisista näkökulmista, joita taiteilija pystyy keräämään puristamalla useita hetkiä yhdeksi kehykseksi - kaikki merkitty aikuisuuteen siirtyvällä lapsuuden kuvakkeella. "
Yhdeksän vuotta vietettyään Taiwanissa, Jahan muutti takaisin Singaporeen vuonna 2011, missä hän loi sarjansa "Cherry Poke: Recontered Philosophies" (2011), joka oli esillä erilaisissa näyttelyissä, mukaan lukien yksinäyttely vuonna 2011 Esplanadessa, Singaporessa, ja ryhmänäyttely. vuonna 2012 nimeltään '15 minuuttia ikuista ', Andy Warholin näyttely ArtScience-museossa, Marina Bay Sands, Singapore.
”Halusin irtautua vanhasta kuvituksellisesta tyylissäni ja luoda sarjan asetelmatyötä, joka määrittelee kansallisuuteni singaporelaisena, koska tunsin, että vietettyäänni ... vuotta Taipeissa, jopa jotkut kiinalaiset taidelehdet kirjoittavat, että olen taiwanilainen, ”, Jahan sanoo.
Mene koirille, 2013
Sitten 2013 luotiin 'Working Class Hero' (2013), jossa Jahan uudelleen kontekstualisoitui ikonografian ja popkulttuurin yksinäyttelyssä Chan Hampe Galleriesissa Raffles-hotellissa, Singaporessa. 'Working Class Hero' esittelee uusia tapoja harkita tuttuja narratioita ja osoittaa kunnioitusta arjen näkymättömille sankarille pop- ja uskonnollisten referenssien avulla, jotka tutkivat nykyaikaista tutkimusta Singaporesta ja sen ulkopuolelta.
"Nämä joukkotiedotusvälineistä kerätyt kuvakkeet eivät tarkoita välittömän suosion saamista, vaan yhteyden saamista sosiaalisten hienousten paljastamiseksi, jotta niitä voidaan rehellisesti tutkia", Jahan sanoo. ”Koomimaailmassa oikeudenmukaisuutta taistelevista supersankarista aina ihmisen sankareihin, jotka tekevät muutosta joka päivä todellisessa maailmassa… [” Working Class Hero ”on] ennätys näkymättömien sankarien tekoihin… Suosittujen kuvakkeiden dekonstruktio Uusi sarjani on tehty niin, että se suorittaa paitsi kriittisen tai filosofisen tehtävän myös myös intergalaktisen tehtävän: muuttaa todellisuuden käsitystä ja avata uusia olemisen ja tulemisen tiloja; joka tutkii uusien muotojen, uusien kehojen ja uusien mielen mahdollisuuksia. "
Kahden seuraavan vuoden aikana Jahan julkaisi ”Perusohjeet ennen lähtöä maasta” (2013), raamatun hänen elämästään; osallistui neljän kuukauden kestävään residenssiin ESKFF: llä MANA Contemporaryssa, Jersey City, New Jersey, USA; luopui kandidaatista; teki useita tilaamia yhteistyöhankkeita, muun muassa yhdessä Singaporessa sijaitsevan lenkkarimyyjän Limited Edtin kanssa heidän yhdeksännen myymälänsä avaamiseksi, missä hän loi elämänkokoisen 150 kg: n Michael Jordanin veistoksen, jonka otsikko on ”Full Metal Twenty Three” (2014); ja alkoi valmistautua uuteen sarjaansa "STATIC PARITY:" (TBA).
Alkaen tunnetuksi nimellä Dazed-J, kun hän aloitti katutaidetta 1990-luvun alkupuolella, omaan "jahan-loh" -tunnisteensa (mahdollisesti maailman suosituimman katikulttuurisivuston) Hypebeast, Jahan on kuvataiteilija, joka on osa tulevaisuutta, osa vastakulttuuria ja jolla on tekniikoita ja ajattelutapa, joka on osa hienoa taidetta, osa katua. Hänen teoksensa on sekä highbrow että lowbrow, nokkela, mutta ei liian älykäs, leikkisä mutta maukas. Neo-pop-tytöistä galaktien väliseen sankariin, cape-ristiretkiin ja lohikäärmeen chasereihin Jahanin graafisten ihmeiden maailma on täynnä suosittuja kuvia, hapolla pestyjä unelmamaiseja ja salaperäistä sanamuotoa.
Nousu 1. 2013
Väitetysti yksi Singaporen johtavista taiteilijoista hän on edustanut Singaporea New Yorkissa, Los Angelesissa, Glasgowissa, Melbournessa, Japanissa, Malesiassa, Hongkongissa, Koreassa, Taiwanissa ja Kiinassa; ja teki yhteistyötä massiivisten globaalien tuotemerkkien, kuten Nike, Adidas, VANS, Sony ja Reebok, kanssa; töillä monissa yksityisissä kokoelmissa ja museoissa ympäri maailmaa. Art Republik telepaattisesti kiinni kahden vuoden vuotisjuhlansa "Jedi Master" -päätähtiään (koska oleminen osa "Guardians of the Garden City -kollektiivitaiteilijaa" on mukana viiden numeron parissa, Art RepublikVuoden vuotisjuhla) valitsemalla aivonsa Singaporen taiteesta ja siitä, mitä hän aikoo tehdä nykyään.
Sinulla on ollut monissa maissa, kuten New Yorkissa ja Taiwanissa, millaista on olla taiteilija Singaporessa? Mitä mieltä olet Singaporen taiteesta?
Se, että olen ollut poissa lähes vuosikymmenen ajan ja palannut kotiin perustamaan studioni, on ollut todellinen matka. Tajusin, että hallitus on rakentanut valtavan kasvihuonekampanjan kasvattaakseen singaporelaista taidetta, yhdessä maailman kalleimmista kaupungeista.
Asioita tapahtuu paljon orgaanisemmin maissa, joita olen osoittanut. Kahdeksan ja puolen Taipein vuoden aikana urani taiteessa kasvoi orgaanisesti, kun olin alttiina markkinavoimille tullessani tälle taiteelle. En tiennyt Taipeissa ollessani laaja-alaisista taiderahoitusjärjestelyistä ja infrastruktuurista, jota National Arts Council (NAC) tarjosi Singaporen taiteilijoille.
Minulle oli haastavaa rahoittaa itseäni ja selviytyä kokopäiväisenä taiteilijana, hoitaa studioni vuokra, materiaalikustannukset ja vapautua erilaisista ylläpidon näkökohdista, mutta kai kaikki tapahtui syystä, ja nämä erilaiset selkänojat ja kokemukset toivat osa taidetta käytännössäni.
Tulipalon läpi, 2011
Olin ilman tuloja kaksi vuotta Taipeissa valmistellessani ensimmäistä soolosoittamista, ja sen ankaran kauden jälkeen tajusin, että mikään ei voisi pahentua, jos voisin selviytyä siitä. Kun jätät selviytymään maailmasta ilman minkäänlaista koeputkea, se tekee sinusta joustavamman ja ei vain pysty selviytymään, vaan myös menestymään.
Apurahajärjestelmä on hyvä aloittelijana ja hyvä tukijärjestelmä taiteilijoille hyödyntääkseen suunnitelmia suuremman korkeuden saavuttamiseksi. Uskon, että hyvällä tukijärjestelmällä taiteilijan on keksittävä itsemme uudelleen ja ajateltava paikallisen yleisön ulkopuolelle, luotava tietoisuutta ja kehitettävä seuraavia ulkomaille ja raotettava oma markkinarako. Apurahajärjestelmä on väline, ei päämäärä. Ei ole hyvä, että taiteilijat luottavat siihen liikaa. Monta kertaa, vaikka apurahajärjestelmä on luotu auttamaan taiteilijaa kasvamaan, jotkut taiteilijat ruokkivat sitä liian lusikalla, että tämä tuki estää taiteilijan kasvua.
Suurin osa paikallisista taiteilijoista pelkää koulunsa lopettaessaan eivätkä riskiä olla kokopäiväinen taiteilija. Suurin osa menee takaisin mukavuusalueelleen, joka opettaa koulussa. Paikallisen ”taiteilijamme” kuunvalot tekevät kokopäiväisen päivätyön kouluttajana ja luovat osa-aikaista taidetta. En näe tätä terveellisenä merkkinä, koska molemmat urat ovat vaarantuneet.
Luovuus ei koske vain teoksia, vaan se on kokonaisvaltainen lähestymistapa taiteilijoiden johtamiseen taidekäytännöissään. Minua on usein merkitty kaupallisena taiteilijana, koska en sovi perinteiseen "puhtaan" taiteilijan muottiin abstraktien käsitteiden kanssa, joita vain harvat voivat ymmärtää. Taideni edustaa reflektiivistä ilmaisua yhteiskunnasta ja kuluttajakulttuurista, jossa olen kasvanut. Pop-taiteen, jota yleensä luokittelen teoksiksi, on tavoitettava massat, yksinkertaistettava abstraktin käsitteitä rakastettavana ja esteettisesti. miellyttäviä muotoja, olivatpa ne maalauksia, veistoksia tai jopa tavaroita, joita pidän toisinaan taiteena. Erottava tosiasia on, että voin silti luoda ja tehdä veistoksiani, vaikka ne eivät vastaisi markkinoiden tarpeita. En taivuta konseptiani tai tyyliäni. Taideni ja mitä markkinat haluavat, voivat kulkea samanaikaisesti, mutta he eivät tapaa koskaan.
Tästä popkulttuuri on kyse; Jos pidät jotain, haluat yleensä ostaa sen, joten puristiset taiteilijat, jotka kuvaavat taidettaan kaupalliseksi, ovat hämmentyneitä, kun he ovat niin pinnallisia arvioimaan taidetta sen estetiikan perusteella. Tämä osoittaa vain kuinka likinäköinen voi olla, kun viettää koko uransa selviytymälläkseen kasvihuoneessa, joka on suojattu alkuaineista. Suuret mestarit, kuten Salvador Dali, ottivat vastaan nykyaikaisia tilauksia ja hän suunnitteli jopa Chupa Chups -logon. Picasso-, Gaudi- ja Andy Warhol-tyyppisillä hienoilla kaikilla oli jalka kaupallisessa maailmassa, koska heidän taiteensa on ajankohtaista. Tämä näyttää kuitenkin olevan vaikea käsitys kuraattoreille ja taiteilijoille käsittää täällä Singaporessa. Taidemarkkinamme on melko nuori, ja infrastruktuurin ja taiteen messujen kasvu on kiihtynyt.
Taide on keskeinen instrumentti Singaporen viivaan tullakseen ensimmäisenä maailman maana. Taiteen aineeton arvo on ratkaiseva tekijä taiteen ajamisessa ulos Singaporesta kehittyneeksi globaaliksi kaupungiksi.Taiwanissa keskimääräinen taiwanilainen keskiluokka on kerrostettu ja heillä on se paljon vaikeammin kuin singaporelaisilla. Taiwanilaiset kuitenkin omaksuvat ja omaksuvat tämän elämäntavan, koska he ovat suhtautuneet taiteeseen - se on osa heidän elämäänsä, mikä ilmenee heidän itsensä ilmaisussa, kuinka pukeutuvat, kuinka he kaunistavat kotiaan, jokapäiväistä arkeaan. Valitettavasti minusta tuntuu, että Singaporessa taiteella ei ole ollut aikaa kasvaa orgaanisesti; ja tämän rakentaminen voi viedä vuosikymmeniä.
Mitä meillä ei ole Singaporessa saavuttaaksemme tämän?
Meillä on upeita gallerioita ja museoita, mutta valitettavasti meiltä puuttuu sisältö ja ohjelmistot näiden instituutioiden täyttämiseksi. Sisältö ei täytä tilaa, vaan houkuttelee yleisöt, jotka haluavat nähdä teoksia. Mielestäni siellä on tilaa enemmän oivallisille kuraattoreille, jotka tuntevat nykyisen ja ymmärtävät paikallista taidetta, ja joilla on enemmän ulkomaalaisia kuraattoreita lännestä, jotta voimme antaa taiteellemme uuden näkökulman, koska meillä on vaikea nähdä itseämme kolmannen osapuolen näkökulmasta näkökulmasta. Mielestäni tarvitsemme myös kokeneita taiteilijoita opettajina, jotka voivat valmistaa opiskelijoita taiteilijan uraan.
Mikä on vaikutelma Singaporen taidemaisemasta sanomalla New York?
En ole kovin varma siitä, mitä he ajattelevat, mutta useimmat newyorkilaiset ajattelevat silti, että Singapore on osa Kiinaa ...
Staattinen pariteetti (esikatselu)
Kerro meille kaikista merkittävimmistä yhteistyöistään taiteilijana.
Mielestäni yhteistyöt ovat aina mielenkiintoisia, koska ne tuovat taiteilijan tai organisaatiot yhteen luomaan jotain uutta. Luulen mielenkiintoisimpana työskentelyni John 'CRASH' Matoksen kanssa Singaporen ensimmäisessä institutionalisoidussa graffiti-katutaidenäyttelyssä, mikä oli aika asiaa, koska CRASH oli yksi tämän taiteen muodon perustajista ja New Yorkin graffititaiteilijan edelläkävijä. näytteillä Andy Warholin, Jean-Michel Basquiatin ja Keith Haringin rinnalla. Muita mielenkiintoisia yhteistyöhankkeita oli kaupallisten tuotemerkkien, kuten Adidas, Vans ja Reebok, kanssa, jotka antoivat taiteelleni alustan näyttää ja ilmaista kokonaan erilaisella välineellä. Minulla oli ensimmäinen yksityisnäyttelyni Pekingissä, jota VANS tuki, ja olin iloinen siitä, että näyttelyä katsoneet ihmiset eivät olleet vain taiteyhteisön ihmisiä, vaan nuoria, jotka yleensä eivät astu galleriaan. Uskon yhä suureen yleisöön tarkoitettuun taiteeseen, ja saako he ainakin käsitykseni näyttelystä, ainakin he ovat alttiina sille.
Kasvava suuntaus on, että taiteilijat eivät ole enää niitä, jotka tosiasiallisesti luovat teoksiaan. Sen sijaan he vain keksivät ideoita, ja he saavat muita ihmisiä luomaan teoksensa, erityisesti veistoksellisten teosten kanssa. Mikä on mielipiteesi taiteilijana, joka luo paljon veistoksia? Näetkö tämän ongelmana? Osutteko myös tässä prosessissa? Samalla kerro meille taiteellisesta prosessistasi.
Luulen, että postmodernismi on täydessä vauhdissa ... kirjoituksen kuolema. Olen melko käsillä itselleni ja teen kaikki maalaukseni yksin, mikä vastaa alhaisesta tuottavuudestani, koska olen yleensä pakkomielteinen maalauksilleni pakkomielteisiin, kunnes ne lopullisesti ratkaistaan. Veistoksillani ne ovat jatkoa teini-ikäiselle harrastukselleni tehdä 1/6 mittakaavan leluja, ja itseopitut taidot, jotka otin vastaan ja sitten hahmojen päänveistosten tekeminen sai minut luomaan 3D-taiteeni, joka aloitettiin vuonna 2007 Taipeissa. Kesti neljä kuukautta luodakseni ensimmäinen elämäkokoinen Cherry Pop-tyttöveistos, joka alkoi maquettesta. Viime aikoina olen työskennellyt enemmän metallin kanssa ja välitän valuprosessin valimoille, jotka auttavat muotin valmistuksessa ja pronssiveistoksissa.
Kerro meille uusimmasta sarjasta ja mistä se on kyse.
'STATIC PARITY:' on sarja, jota työskentelen nyt, ja se käsiteltiin taiteiden residenssini aikana ESKFF: llä MANA Contemporary -tapahtumassa.
'Staattinen pariteetti: genees': Ihmisen pyrkimys totuuteen ja tietoon on aina rajoitettu aivojemme kokoon. Universumi on aina staattisen pariteetin tilassa ja jatkuvassa tasa-arvossa. Ihmisen alkuperän etsintä löytyy uskonnollisista teksteistä sekä juutalaisuudesta että kristinuskosta. Jopa nykyajan tieteen kanssa on mahdotonta luoda elämää muusta kuin elämästä, joten miten me ihmiset tulimme olemaan? Ihmisen sisäinen olemus on tehty korkeammasta, henkisestä energiasta, samoin kuin energiasta, jonka materiaali on kehittynyt. Massa tekee tästä energiasta vain jonkin materiaalin näkyvän peitteen. Suuremman voimansa vuoksi henkinen voi vaikuttaa alempiin energioihin, joihin myös materiaali kuuluu, ja se voi hallita sitä. Ihmiset, jotka ovat saavuttaneet täydellisyyden millä tahansa elämänalalla, sanoivat, että kaikki on tehty itse.
Tutkiessani ja tulkittani Aadamia ja Eevaa, yritän luoda heidän hengellisen auraansa sillä hetkellä, johon ihminen putosi.
Tarinahyvitykset
Tekstin kirjoittanut Marc Wong
Tämä artikkeli on alun perin julkaistu Art Republik -lehdessä
